Angelis suis Deus mandavit de te ut custodiant te in omnibus viis tuis.
(Dieu t’a envoyé Ses anges pour qu’ils te gardent sur tous les chemins que tu prendras).
Définition du Principe de Synchronisation Verticale ou Horizontale
La synchronisation verticale consiste à synchroniser la main droite (MD) et la main gauche (MG) en lisant les notes de manière verticale sur la partition.
La synchronisation horizontale, quant à elle, consiste à automatiser les mouvements des deux mains pour les jouer ensemble, sans se préoccuper de l’aspect vertical de la partition. Cette méthode présente l’avantage de faciliter l’interprétation et de permettre l’improvisation sur l’une des mains jouées de manière automatique.
Définition du « groove »
Le piano est un instrument de percussion.
La définition du terme « groove » est complexe et difficilement traduisible en un seul mot en français. Il désigne la précision particulière d’un rythme régulier et répétitif, souvent binaire, qui peut évoquer la performance d’un batteur dans une musique entraînante et propice à la danse. Il sera la clé de voûte de l’interprétation dans Coral Island.
1- Déchiffrage
Structure du morceau :
- Ce morceau s’articule autour d’une structure rythmique cyclique. La première partie repose sur une succession de mesures alternant 4 temps et 5 temps, formant ainsi un cycle de 9 temps dont la structure rythmique reste identique. Ce cycle se répète quatre fois avec une basse en fa, puis quatre fois avec une basse en mi bémol, et enfin quatre fois avec une basse en sol.
- À partir de la mesure 25, un nouveau thème apparaît sur quatre mesures, soutenu par une basse en la bémol. S’ensuit une progression harmonique qui ramène vers le fa. Le développement se poursuit avec un texte de quatre mesures en fa, puis un autre de quatre mesures en mi bémol. Les quatre dernières mesures forment une suite harmonique qui assure le retour au début du morceau.
Analyse de la tonalité Le morceau ne présente aucune altération à l’armure, ce qui pourrait théoriquement correspondre à la tonalité de do majeur ou de la mineur. Cependant, ces tonalités ne reflètent pas du tout le caractère harmonique réel de l’œuvre. En étudiant l’articulation des phrases et les différentes tonalités effectivement utilisées, on peut facilement déduire que l’absence d’altération à l’armure répond à un choix pratique : il est plus simple d’ajouter les altérations accidentelles au fil de la progression harmonique, plutôt que de fixer une armure qui ne serait pas représentative de la tonalité principale du morceau.Travaillez lentement au début, puis augmentez progressivement la vitesse.
Une fois que les trois premières boucles de huit mesures sont bien maîtrisées au tempo indiqué (noire = 160), nous pourrons aborder la deuxième partie du thème, plus rythmée et active.
Cette partie sera plus facile à maîtriser en travaillant d’abord les mains séparément, puis les mains ensembles.Travaillez lentement au début, puis augmentez progressivement la vitesse.
- Analyse de la grille harmonique
2- interprétation
Puebla se distingue par sa fondation originale : contrairement à d’autres villes coloniales, elle fut établie (ex nihilo) en 1531 par une cinquantaine de colons espagnols, sans peuplement indien préexistant, sous le nom de Puebla de los Ángeles. Son histoire et la diversité de ses styles architecturaux, allant de la Renaissance au baroque mexicain, lui ont valu d’être classée au patrimoine mondial de l’UNESCO en 1987. Entre la pyramide précolombienne de Cholula et sa majestueuse cathédrale, Puebla incarne l’un des rares exemples en Amérique latine où les colons se sont installés sans recourir à la conquête violente des populations locales.
Pour interpréter un morceau évoquant Puebla, il est possible de mettre en lumière les deux facettes de cette ville — la tradition ancestrale et l’héritage européen — à travers les 2 parties du morceau.
tempo :
La notion de tempo dans ce type de morceau lié au groove fait appel à la notion de métronome intérieur. Seules la répétition, l’expérience et la possibilité de jouer avec une section rythmique (basse-batterie) aideront à l’acquisition d’un tempo régulier intégrant la notion de temps fort sur le 2 et le 4 (after beat).
Le métronome pourrait être utile dans un premier temps, mais l’acquisition d’une boîte à rythmes ou d’un programme de batterie sur votre ordinateur sera la meilleure option.
phrasé :
Dans la première partie, les phrases au sein du motif asymétriques — une mesure à quatre temps suivie d’une mesure à cinq temps — doit être abordée comme une seule mesure chaloupée, mais détendue. Le phrasé doit rester synchronisé entre les deux mains, tandis que les contretemps, qu’il s’agisse de notes ou d’accords, doivent être accentués en fonction de la phrase musicale, avec une dynamique qui souligne particulièrement les anticipations. La deuxième partie, plus classique dans sa métrique, doit cependant conserver une attention particulière au groove et au phrasé legato.
pédale :
L’utilisation de la pédale de sustain sera précieuse : prévoir une pédale par mesure, mais veiller à ne jamais superposer deux harmonies distinctes. Dans ce contexte, il est essentiel de maintenir la note de basse qui s’étend sur deux mesures, afin que le changement de pédale ne vienne pas l’effacer.
nuances :
La nuance ne se limite pas à l’intensité : elle englobe aussi la dynamique et l’accentuation. Certaines notes peuvent être mises en valeur, tandis qu’une section entière peut s’embraser ou, au contraire, s’adoucir — à l’image des deux mondes .
3- improvisation
gammes :
Travail des 3 gammes de la première partie
Pour bien assimiler ces 3 premières tonalités, nous commencerons par nous familiariser avec les gammes correspondantes.
d’abord à la main droite seule, sur plusieurs octaves, puis à la main gauche seule, sur plusieurs octaves, enfin, aux deux mains ensemble.
Analyse des tonalités dans le 2èm partie.
Pour la première partie, je propose une improvisation très calme et sereine, explorant les trois tonalités d’origine. Chaque tonalité sera développée sur une structure de 8 mesures, mais en privilégiant des mesures à 4 temps pour simplifier le groove et fluidifier l’improvisation. Si vous préférez une alternance entre mesures de 4 temps et de 5 temps pour mieux exprimer votre univers musical, laissez-vous guider par cette option, qui peut apporter une dimension plus chaloupée à l’interprétation.
Pour la seconde partie, je recommande de rester très proche du thème original, tant dans le style des phrases que dans l’utilisation des arpèges main droite.
Vous pouvez aussi pour l’ensemble du morceau, improviser sur le thème en vous référant au chapitre de l’improvisation dans le morceau « Paï » dont Je vous rappelle les principaux principes .
Remplir les silences ou les tenues par des phrases supplémentaires, comme des réponses ou des prolongements naturels ;
Paraphraser le thème, en conservant son essence tout en le réinventant ;
Dédoubler certaines notes ou accords, pour en accentuer les couleurs ;
Emprunter d’autres chemins harmoniques ou mélodiques, tout en restant fidèle à l’esprit du morceau.
phrases :
Tentez au début des phrases courtes sans perdre la régularité de la main gauche ni le groove. Ensuite, essayez des phrases plus longues avec des espaces de silence. Variez les rythmes en utilisant des noires, des croches, des triolets, et peut-être même des phrases sous forme de gammes rapides.
Les phrases décalées dans l’espace de la mesure, en utilisant les accords basés sur les extensions, donneront une couleur plus moderne.
accords :
Il est possible de jouer les mélodies MD en octave pour donner plus de présence, ou de jouer des accords pour harmoniser les mélodies que vous avez crées en utilisant les notes de la gamme ou les extensions décrites ci dessous en fonction des types d’accord 1- 3 – 5 – 7 – 9 – 11- 11# – 13 – b13.
Extensions possibles
Accords Maj7 : 1 – 3 – 5 – 7 – 9 – #11
Accords -7 : 1 – 3 – 5 – 7 – 9 – 11
Accords 7 : 1 – 3 – 5 – 7 – 9 – #11 – 13
Accords 7 altérés : 1 – 3 – 5 – 7 – b9 – #9 – #11 – b13
Variations pour la MG
Lors de l’improvisation, la ligne mélodique de la main gauche, définie dans le thème, est un bon point de départ. Cependant, il est important de l’enrichir ou de la varier. Les exemples ci-dessous ne sont que quelques possibilités parmi une multitude de solutions.
Un arpége plus rapide constitué des notes d’origine est aussi une solution.
Une basse suivi d’accords avec les extesions naturelles est assez simple à réaliser, il peut etre joué sous forme d’arpégiato.
Une basse suivie de la quinte puis d’un accord constitué de tierce et septième permettra encore plus de liberté pour la main droite improvisant.
Une basse puis un accord simple est aussi une solution .
Beaucoup d’autres solutions sont possibles…
4- structure du morceau
introduction :
Il n’ y a pas d’introduction écrite, commencez directement sur le thème est l’option la plus simple, sinon trouvez une introduction s’accordant bien avec le début du thème.
theme :
Commencez par jouer la structure écrite thème 1 et 2.
Pour la reprise de l’ensemble, vous pouvez vous permettre une interprétation plus libre, en explorant des nuances, des variations rythmiques ou expressives selon votre sensibilité.
improvisation :
Pour bien improviser, il faut structurer son jeu en s’appuyant sur deux ou trois idées préparées à l’avance. On peut soit :
reprendre et développer l’idée d’improvisation sur le thème (comme expliqué précédemment), ou inventer des idées libres.
Pour assurer une transition fluide vers le thème, essayez de revenir à la première idée développée dans votre improvisation ou citez les dernières mesures du thème écrit, créant ainsi un lien naturel avec le retour au thème.
theme :
Il me paraît mieux de ne jouer qu’un thème pour finir ou même de ne jouer que la première partie du théme pour finir sur une ambiance plus calme.
fin ou coda :
La coda dépendra de l’endroit ou vous arrêtez le thème. Trouvez une fin à votre convenance en suivant les principes suivants : ralentir le tempo, jouer de moins en moins fort, utiliser un accord de fin simple ou légèrement surprenant.
christian goupy 